Beautés féminines et vie quotidienne dans les ukiyo-e

Le Yoshiwara, le quartier des plaisirs

À Edo, le quartier de plaisirs, le Yoshiwara, avait attiré au 17^e siècle un grand nombre de militaires (bushi) et de samouraïs, désœuvrés en cette époque de paix. Puis les chônin, bourgeois citadins, hommes d’affaires, commerçants, leur avaient succédé. À ces habitués se mêlaient des dandys, des acteurs, des musiciens, des poètes, des écrivains, des artistes, des marginaux. Ce public interlope côtoyait ses stars idolâtrées, acteurs de théâtre, courtisanes célèbres, hôtesses de maisons de thé, qui consacraient les modes de l’époque. Les marchands ambulants arpentaient les rues animées, proposant des éventails, des lanternes, des pipes et du tabac, des parapluies, des bibelots, des livres et des estampes. Les « maisons vertes » ou maisons de plaisirs, les maisons de thé, les établissements de bains, les restaurants, les magasins de luxe (textiles, produits de beauté), les boutiques de saké, les jardins offraient du rêve et de la volupté à une nouvelle classe sociale, ces chônin, exclus de la culture et des spectacles réservés aux aristocrates, tel le théâtre nô. Dans ce quartier, les distinctions sociales s’effaçaient, comme les contraintes, tout y était accessible par l’argent.
L’incendie de 1657, qui détruisit une grande partie d’Edo, réduisit en cendres le quartier des plaisirs, le Yoshiwara, littéralement la « roselière », ainsi nommé à cause de son emplacement sur d’anciens marécages de roseaux ; reconstruit à la périphérie de la ville, à l’est, près du temple d’Asakusa, il prit le nom de Sin-Yoshiwara (le nouveau Yoshiwara) et ne disparut qu’au 20^e siècle.

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Les quatre saisons du plaisir au Yoshiwara (Seirô shiki-no-tawamure)

Cette estampe rarissime dévoilant la chambre de deux courtisanes, Hanaôgi et Kasugano, et de leur assistante Kumegawa, est la seule qui subsiste de la série Les Quatre Saisons du plaisir au Yoshiwara. Eishi, dans un style très maniériste, allonge, étire ses lignes dans un jeu d’arabesques qui emmêle les kimonos des trois jeunes femmes, en fait surgir des formes, des attitudes. Les visages émergent de ces drapés au tracé fin, sans contraste de pleins et déliés, comme pour accroître l’atmosphère de quiétude et de délassement du moment. Plus sensuelle, la longue jambe qui se devine entre les plis du kimono. Kumegawa, une apprentie courtisane, se cultive. Elle a cependant suspendu sa lecture, un essai philosophico-social célèbre, Tsurezuregusa ( « Les Herbes de l’ennui » ), de Kenkô Hôshi, nom bouddhiste de l’écrivain japonais Kaneyoshi Yoshida (1283-1350). L’auteur, dans cet ouvrage écrit en 1331, déplore la disparition de la culture raffinée de la fin de la période de Fujiwara (8^e siècle - 12^e siècle). Ce recueil de pensées est écrit en une langue précieuse et poétique.
La liseuse est distraite par l’oiran Kasugano, qui arrange les épingles de sa coiffure très recherchée, de style hyôgo-mage, en se regardant dans un miroir tenu par Hanaôgi, courtisane de haut rang. Derrière les jeunes femmes aux poses alanguies, se déploie un paravent de style Kanô. Cette peinture d’inspiration chinoise, que Eishi avait pratiquée avant de se consacrer à l’ukiyo-e, était celle des peintres officiels du shogunat d’Edo. (G. L.)

Peintre, illustrateur et dessinateur, Eishi était le fils aîné d’un samouraï, haut fonctionnaire au service du shogun. Ce dernier lui avait donné un nom d’artiste – Eishi, qui signifie : « Il glorifie ». Peintre officiel, il résilia sa charge en 1785 pour se consacrer à l’art ukiyo-e. De sa formation dans l’atelier du peintre Eisen, de l’école Kanô, il conserva un style très raffiné et une élégance tout aristocratique. L’atmosphère feutrée ou mondaine de ses estampes, l’allure réservée et distinguée de ses beautés, leurs lectures, dévoilent l’éducation de l’artiste.
Avec la même audace qu’il avait manifestée en abandonnant ses fonctions officielles, pour aborder ce qui le tentait, il revint à la peinture sur rouleau lorsque l’estampe déclina au tournant du 19^e siècle. Accepté volontiers par son milieu aristocratique, il conserva les mêmes thèmes, et l’abondance de sa production d’alors témoigne de sa nombreuse clientèle. L’un de ses rouleaux fut même présenté par son commanditaire à la famille impériale, à Kyôto. Sa personnalité inspira quelques artistes parmi lesquels Eiri (actif 1789-1801), dont la biographie reste inconnue.

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Des guides touristiques

Des guides du Yoshiwara, destinés aux clients, furent publiés à maintes reprises. Dès la deuxième moitié du 17^e siècle, Fujimoto Kizan (1626-1704) commença la rédaction du Shikidô Ôkagami ( « Grand miroir de la voie de l’amour » ), qui offrit en plusieurs volumes un classement des diverses courtisanes selon leurs qualités, une description des quartiers de plaisirs et de leurs activités. Hishikawa Moronobu rédigea également, en 1678, un « Guide de l’amour au Yoshiwara » (Yoshiwara koi no michibiki), édition xylographique d’un livre de gravures sur bois monochromes à l’encre de Chine, l’un des plus importants, plus proche du livre d’images (ehon) que du livre illustré (sashie-bon ou eiri-bon).

S’inscrivant dans cette démarche, le roman de mœurs, destiné à cette population, récits relatant les effets de l’amour et de la passion, puisés dans ce monde bourgeois, avec comme figures romanesques les acteurs et les courtisanes, apparut. Le genre fut inauguré par Ihara Saikaku (1642-1693) avec « L’homme qui ne vécut que pour aimer », ouvrage publié en 1682. Dans un autre de ses livres, Kôshoku ichidai onna ( « La vie d’une amie de la volupté » ), un vieil homme, qui est à la recherche d’une concubine pour son seigneur, décrit, d’après une peinture, l’idéal de beauté de l’époque. Le texte dit à peu près ceci : « […] son âge, quinze à dix-huit ans, paraître à la mode de bon goût, c’est-à-dire un visage légèrement arrondi, un teint de fleur de cerisier simple, les quatre attributs tous parfaitement harmonieux. Les yeux trop petits ne sont pas souhaitables ; les sourcils doivent être épais et bien espacés de part et d’autre du nez d’une grandeur bien proportionnée […]. » Saikaku, poète et romancier, était considéré, avec le dramaturge Chikamatsu et le poète Basho, comme l’un des trois grands écrivains de son siècle. Son style, imagé et rythmé, rappelait celui des poèmes haikai.
De nombreux ouvrages parurent également au cours du 18^e siècle. Le plus célèbre, « L’Almanach illustré des maisons vertes » (Seirô ehon nenjû gyôji) par Utamaro, dernier livre de l’artiste, publié en 1804, fut rédigé par Jippensha Ikku. Les événements de la vie des courtisanes, qui se déroulent suivant les rites saisonniers, y sont gravés, comme la présentation des nouveaux kimonos au nouvel an, la fête des cerisiers au printemps, etc.

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Courtisanes exposées derrière un treillage de bois d’une maison verte

« Almanach illustré des Maisons vertes » (Seirô ehon nenjû gyôji)

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L’artiste (?) peignant un phénix sur une cloison d’un salon de la maison verte

« Almanach illustré des Maisons vertes » (Seirô ehon nenjû gyôji)

Son matériel de peintre est posé sur le tatami. Un jeune apprenti active un fourneau. Des courtisanes suivent le travail du peintre.

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Une nouvelle culture

Une culture diversifiée, écrite, orale et visuelle se répandit ainsi de plus en plus, avec le théâtre, le roman, le livre illustré, les estampes, l’artisanat. Ses lieux de prédilection étaient le quartier des théâtres et le Yoshiwara.

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Les douze mois du quartier sud (Minami jûni kô : jûnigatsu)

Kiyonaga réalisa deux suites sur le thème du déroulement des douze mois de l’année dans le quartier de plaisir de Shinagawa, au sud d’Edo, dont le paysage attirait les visiteurs. L’atmosphère y était plus détendue que dans le quartier du Yoshiwara, et comme le mot du titre minami, qui peut signifier « regarder les beautés du Sud », le laisse présager, Kiyonaga y dépeint les comportements moins apprêtés des courtisanes de ce lieu.

En ce douzième mois (qui correspond au mois de janvier dans le calendrier grégorien), une courtisane et son client, à peine réveillés, regardent la mer à l’aube, au départ des barques de pêche. Dans la pièce voisine, une autre courtisane, de rang inférieur sans doute, mélancolique, assise derrière une cloison de papier coulissante (shôji) à décor de bambous, brûle un parfum. Elle semble écouter les propos du couple enlacé ou l’observer. Derrière elle, un vêtement est disposé sur un porte-kimono laqué.

L’intrusion d’un troisième personnage, fréquente dans les scènes galantes ou érotiques, est une manière d’inviter ou même d’intégrer le spectateur à la scène et d’appréhender l’atmosphère sensuelle et équivoque de l’estampe.
Jouant de plans se coupant en diagonale, de lignes verticales et horizontales, d’ouvertures, Kiyonaga entraîne le spectateur dans deux directions, multipliant l’espace, en largeur et en profondeur. (G. L.)

Kiyonaga traite, lui, un autre style de beauté féminine. D’abord influencé par Harunobu, il présente ensuite des femmes mûres, épanouies, ou des couples, comme c’est le cas ici. Il est fréquent que les estampes japonaises introduisent dans la scène un troisième personnage. Cette estampe nous montre de quelle façon les artistes japonais cloisonnent l’espace et le structurent par le biais de plans qui se croisent et se coupent en diagonale, tandis que le spectateur pénètre dans la maison.

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L’existence et l’attrait du quartier des plaisirs s’expliquaient par la rigidité des mœurs de l’époque (les mariages étaient prévus entre fortunes, dès la puberté). Il offrait un moyen d’évasion pour les riches bourgeois qui entretenaient une courtisane et pour de nombreux hommes qui accompagnaient leur seigneur à Edo et y séjournaient seuls durant de longs mois. Le nombre de ces courtisanes, qui étaient 4 000 environ lors de l’ouverture du « Nouveau Yoshiwara », s’éleva à sept mille dans la seconde moitié du 18^e siècle.
Un chemin conduisait du pont Ryôgoku en passant par le temple d’Asakusa, au quartier de plaisir surnommé Fuyajô, le « Château sans nuit », peut-être par opposition à au château du shogun (Edojô) (?).
Véritable village dans la ville, entouré d’une enceinte (kuruwa), une grande porte (ômon-guchi) en forme de torii (portique à l’entrée d’un sanctuaire shintô) en permettait l’accès. De chaque côté de la rue principale (nakano-chô), « la rue du milieu », longue de 250 mètres, les maisons de thé (chaya), les restaurants, les boutiques s’alignaient. Les autres rues, bordées de cerisiers et de saules (le saule étant le symbole chinois de la prostitution), se coupaient à angle droit. Dans les « maisons vertes », nommées ainsi d’après la couleur de leur façade, logeaient les courtisanes et leurs assistantes.

La vie des courtisanes

À l’entrée du Yoshiwara, les courtisanes s’exposaient tous les après-midi et dans la soirée derrière des treillages de bois (harimise), en bordure de rue. Chaque maison (ya) portait un nom inscrit sur un rideau (noren), nom qui suivait toujours celui des courtisanes.

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« Défilé des beautés contemporaines des quartiers de plaisirs » (Tôsei yûri bijin awase)

Dans un salon particulier s’ouvrant sur un jardin, un jeune homme nonchalamment allongé sur un futon écoute de la musique en fumant. Des jeunes femmes l’entourent. Les apprêts d’un dîner sont disposés sur des plateaux. Une joueuse de shamisen s’adresse à sa servante qui porte la boîte de rangement de l’instrument.
Ce diptyque fait partie d’une série de vingt et une estampes, dont cinq diptyques consacrés aux quartiers de plaisirs. Kiyonaga a souvent utilisé ce format, créant une mise en scène avec plusieurs personnages, dans un intérieur ou dans un vaste paysage. Son sens de l’espace et de l’équilibre convenait à ces variations sur le thème des loisirs.

Bien que chaque feuille de ce diptyque puisse se regarder isolément, plusieurs éléments concourent à l’unité de l’ensemble : l’attitude des participants et l’orientation de leur regard, le plateau avec la branche de bambou, la véranda et le jardin délimité par la balustrade de bambous. (G. L.)

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Entrées dans une maison, à l’âge de 10 à 15 ans à peine, la kamuro, jeune assistante, et la shinzo, apprentie, assistaient une oiran, courtisane de haut rang. Elles recevaient une éducation raffinée afin de créer un climat amoureux avec leurs invités, ultérieurement. Selon leur beauté et leur talent, elles apprenaient à jouer d’un instrument de musique – tambourin, shamisen (sorte de guitare à trois cordes) ou koto (harpe à treize cordes) –, à danser, à accomplir la cérémonie du thé ou de l’encens. Certaines courtisanes très cultivées lisaient des ouvrages de philosophie, peignaient, composaient des poèmes, étaient même parfois recherchées pour leur talent de calligraphe. Tous ces enseignements correspondaient aux attentes des bourgeois, qui aspiraient à l’élégance et au charme subtil de la culture aristocratique, lorsqu’ils se rendaient dans une maison.
Un code de l’amour prévoyait plusieurs rencontres courtoises entre la courtisane et son client avant que ce dernier ne puisse se déclarer, rencontres animées par des propos recherchés ou des divertissements culturels. L’invité se prélassait souvent sur un futon, ou conversait, assis sur le tatami, dans ces intérieurs aux cloisons coulissantes (fusuma) et parfois translucides (shoji), qui pouvaient s’ouvrir sur une véranda.

Mode de vie et évolution de l’idéal féminin

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« Miroir des beautés des maisons vertes » (Seirô bijin awase sugata kagami)

Comme les Beautés du Yoshiwara (Yoshiwara bijin awase) de Harunobu, cet album illustré en trois volumes – les deux premiers sont présentés ici – dépeint, par ordre des quatre saisons, la vie, les mœurs et coutumes des courtisanes appartenant aux différentes maisons closes du Yoshiwara. L’ouvrage de Shigemasa et de Shunshô se distingue de celui de Harunobu par une mise en valeur des arrière-plans à l’intérieur de chaque « maison verte », où évoluent des courtisanes de renom. Le premier volume, Printemps et été, serait dû à Shigemasa ; le deuxième, Automne et hiver et le troisième Supplément, à Shunshô. Le nom des maisons vertes et de leurs courtisanes est indiqué sur chaque double page. Au total sont représentées cent soixante-quatre courtisanes sur 43 doubles pages d’illustrations, auxquelles s’ajoutent, dans le dernier volume, 27 pages de poèmes de haikai composés par ces courtisanes. C’est un exemplaire de luxe en parfait état de conservation avec les couvertures et étiquettes de titre imprimé d’origine.

La double page ci-contre montre l’intérieur de la maison Echizen-ya où cinq courtisanes s’adonnent à un jeu de cartes inspiré du Hyakunin isshu (« De cent poètes un poème »), la plus populaire des anthologies poétiques, comprenant cent poèmes anciens choisis par Fujiwara no Teika (1162-1241). La pratique du jeu de cartes à poèmes, apparue au 17^e siècle, connut une vogue grandissante chez les aristocrates ; elle se répandit par la suite, dans les milieux bourgeois et parmi les courtisanes, comme l’atteste l’écrivain Fujimoto Kizan, dans son ouvrage Shikidô ôkagami (« Le Grand Miroir de la voie de l’érotisme »), datant de 1688. Depuis lors, sa popularité ne s’est jamais démentie, constituant ainsi la mémoire poétique des Japonais. (K. K.)

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Avec leurs semblables, les courtisanes s’adonnaient à l’art floral, confectionnaient des origami, jouaient aux cartes), au sugoroku (sorte de jeu de l’oie). D’autres jeunes femmes, les hôtesses de maison de thé et les geishas, avaient un rôle différent. Jeunes filles honorables, distinguées, très cultivées elles aussi, formées aux disciplines artistiques, elles exerçaient une véritable profession, apparue vers le milieu du 18^e siècle. Elles pouvaient être engagées au bureau des artistes du Yoshiwara par une maison de thé, ou même une « maison verte ».

Les tenues vestimentaires de toutes ces femmes superbes étaient luxueuses et le nombre de kimonos superposés qu’elles portaient, révélait leur rang. Les marchands de textiles, au commerce florissant, les considéraient comme des mannequins, des « top-modèles » lançant les modes à chaque nouvelle collection. Des albums publiaient des modèles gravés de kimonos : kosode à manches cousues avec un poignet étroit, furisode à manches longues et larges emmanchures, hirosode à manches non cousues, ouvertes…
Les estampes révèlent l’importance du vêtement, qui constitue souvent l’essentiel des portraits en pied des beautés féminines. De celles-ci, seules la tête et une main le plus souvent s’aperçoivent, rarement les pieds. Plusieurs kimonos superposés, aux couleurs se correspondant au col, aux poignets et aux retombées sur le sol, constituaient formes et volumes. Ce sont en effet les étoffes, les soieries chatoyantes qui évoluent, suggèrent les mouvements du corps, rythment l’allure, dans un jeu de lignes, de couleurs et de motifs décoratifs géométriques, figuratifs ou empruntés à la nature et souvent très stylisés.

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« En allant admirer les glycines de Kameido »

Quarante-six personnages élégants, hommes, femmes et enfants, se promènent sous une tonnelle de glycines, dont la floraison a lieu au printemps. Les activités festives et les divertissements des Japonais sont souvent liés à la nature et aux saisons (cerisiers en fleurs, fête des iris, fête des chrysanthèmes, des étoiles, de la lune).
Cette procession, que l’on devine discontinue à droite, est animée par des conversations suggérées par les attitudes et les gestes des promeneurs. Dans la scène centrale, un homme porte un sambô, plateau utilisé pour les offrandes votives, sur lequel est inscrit le chiffre 1.
Shunchô s’est plu à représenter ce lieu de promenade attrayant, assuré de séduire une clientèle qui conserverait, par l’image, le souvenir d’un de ses loisirs saisonniers.
Mais c’est aussi un véritable défilé de mode printanière offert aux amateurs d’une manière plaisante. L’artiste rythme la composition, qui se déroule horizontalement, à l’imitation d’un rouleau, par les dimensions des figures, les couleurs, les ombrelles, les motifs des kimonos et obi. De plus, il est sensible aux nuances sourdes imposées par la loi et en joue avec talent.

En effet, dans la seconde moitié du 18^e siècle, le luxe fut réprimé et cela eut des incidences décoratives et stylistiques sur les motifs des soieries et des kimonos. Il fut de bon ton de porter des vêtements unis, aux couleurs sobres, à rayures ou à motifs géométriques. L’attention se porta sur les revers des sous-vêtements et des manches, la largeur du obi, autant de détails qui permirent de souligner et de rehausser la simplicité des costumes par des correspondances subtiles de couleurs et de lignes. L’élégance discrète devint le critère de la distinction et du bon goût. (G. L.)

Élève de Shunshô, Katsukawa Shunchô fit partie comme lui de l’école Katsukawa, spécialisée dans les représentations de yakusha-e. Très sensible à la beauté féminine, il se tourna vers les bijin-ga et se rapprocha du style de Kiyonaga, son contemporain, tout en se singularisant. Il n’idéalise pas autant ses modèles.
Ces diptyques, triptyques et pentaptyques d’ôban sont des chefs-d’œuvre du genre.
L’utilisation d’une gamme restreinte de couleurs délicates, conforme aux lois somptuaires promulguées entre 1787 et 1793, maniée avec un sens aigu de l’harmonie et de la lumière, confère à ses œuvres une douceur et une subtilité très poétique.

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Le blason (mon), un élément dans un cercle, identifiant la personne, est incorporé au textile. Les couleurs sont très subtiles et comme l’écrit Edmond de Goncourt : « Les blancs que la Japonaise veut sur la soie qu’elle porte sont le blanc d’aubergine (blanc verdâtre), blanc ventre de poisson (blanc d’argent) ; les roses sont la neige rosée (rose pâle), la neige fleur de pêcher (rose clair)… ; les rouges sont : le rouge de jujube, la flamme fumeuse (rouge brun), la cendre d’argent (rouge cendré) ; les verts sont : le vert thé, le vert crabe, le vert crevette, le vert cœur d’oignon (vert jaunâtre), le vert pousse de lotus (vert clair jaunâtre). »

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Les courtisanes Tamatsuru (à droite) et Miyamagi (à gauche), de la maison Chôji-ya, jouant du shamisen

« Beautés du Yoshiwara » (Yoshiwara bijin awase)

Pionnier des estampes polychromes (nishiki-e), Harunobu fut également l’auteur d’une vingtaine de livres illustrés en monochromie noire. Seul ce livre, paru en 1770 – année de sa disparition –, fut illustré en polychromie. Exclusivement consacré aux portraits de courtisanes, il s’agit également de l’un des premiers livres illustrés en couleurs.
À l’origine publié en cinq volumes, cet exemplaire, qui fut par la suite réuni en un seul par une main inconnue, porte un titre manuscrit : Beautés du Yoshiwara (Yoshiwara bijin awase). Mais il en existe d’autres exemplaires, qui portent une ou plusieurs étiquettes de titre imprimé : Album illustré de beautés des maisons vertes (Ehon seirô bijin awase). C’est sous ce titre que l’ouvrage est généralement cité.

L’ouvrage, conçu par le poète de haikai Kasaya Saren, est divisé selon les cinq « thèmes de vue » (keibutsu) saisonniers propres à la tradition poétique de haikai : la fleur de cerisier, le coucou, la lune, l’érable rouge et la neige. Cent soixante-six portraits de courtisanes figurent dans cet ouvrage magnifiquement illustré par Harunobu, évoquant leurs mœurs et coutumes. Sur chaque page, le portrait d’une courtisane est accompagné, en marge, de son nom et du nom de la maison verte à laquelle elle appartient ainsi que d’un poème de haikai qu’elle a composé sur un « thème de vue » qui lui a été attribué. Ici, la double page met en image deux courtisanes de la maison Chôji-ya jouant du shamisen : Tamatsuru (à droite) et Miyamagi (à gauche), avec leur poème de haikai, composé sur le thème du coucou, se référant à l’été, auquel est consacré le deuxième volume de cet ouvrage. (K. K.)

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« Coutumes du temps présent, les brocarts de l’Est » (Fûzoku Azuma no-nishiki)

Kiyonaga, dans cette série, Brocart de l’Est, compare les beautés célèbres de la capitale de l’Est, Edo, aux estampes de brocart (nishiki-e) réalisées pour les célébrer.
Une vingtaine d’estampes dépeignent des femmes anonymes, épouses de daimyô, de samuraïs, de bourgeois, adeptes de la mode, dans leurs activités quotidiennes. Des hommes élégants les accompagnent parfois. Les femmes du peuple (porteuses de sel ou marchandes de bonsaïs), rarement représentées, complètent ces scènes de mœurs.
Ici, une jeune fille, identifiable aux longues manches du kimono, se promène avec ses deux suivantes. Elle est vêtue luxueusement. Sa silhouette élancée et longiligne illustre l’idéal de beauté de Kiyonaga à l’apogée de son art, idéal qu’il traduit par un style maniériste et un graphisme linéaire. (G. L.)

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Le visage apparaît cerné par la somptueuse chevelure noire, parée de peignes et d’épingles d’écaille, de laque ou de nacre. Les échos des poèmes des siècles passés résonnent encore devant ces images cependant « modernes » : « Sa beauté brillait comme une fleur / Le croissant noir de ses sourcils avait des reflets bleus / Et le fard [de ses joues] ne perdait jamais sa blancheur. […] / Ses robes de fins damas superposés nombreuses / débordaient les pavillons de bois précieux … Ou encore : « Les bandeaux de ma chevelure se courbaient en vagues bleuissantes […] / Parée de l’élégance de mes robes / Je ressemblais à la fleur de lotus flottant sur les vagues du matin ».

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« La courtisane Nanao, ses suivantes Mineno et Takane, de la maison Ôgiya » (Ôgiya uchi Nanao Mineno Takane)

« Nouveaux motifs pour les jeunes pousses » (Hinagata wakana no hatsu môyô)

Koryûsai a consacré une importante série, une centaine d’estampes, aux présentations de mode par les courtisanes des différentes « maisons vertes », accompagnées de leurs assistantes. Célèbres beautés de l’époque, elles lançaient les nouveautés, surtout les nouvelles soieries. Les motifs et les couleurs des étoffes des kimonos des kamuro et des shinzô étaient souvent assortis à ceux des vêtements de l’oiran, courtisane de haut rang. Les kimonos superposés et les doublures offraient, lors de la marche, tout un jeu de plissé bruissant et chatoyant.
Les estampes de mode de Koryûsai proposent des beautés féminines beaucoup plus réalistes que les ingénues, menues et vives, de Harunobu. Ses élégantes jouent un rôle bien défini dans une attitude convenue, artificielle. Leur personnalité disparaît sous le luxe du costume, de la coiffure, ornée d’épingles et de peignes, sujets réels de l’image.
Sur l’estampe, seules les deux fillettes, ces apprenties (kamuro) placées dès l’âge de dix ans auprès des courtisanes et qui se déplaçaient toujours ensemble, gardent encore un comportement naturel. L’une chuchote à l’oreille de la plus jeune quelques secrets ou l’embrasse, tandis qu’une des courtisanes leur lance un regard par-dessus son épaule. Les fleurs de prunier qui annoncent le printemps dès février parsèment les kimonos. (G. L.)

La découverte récente d’un document permet de connaître la date de naissance précise de Koryûsai, ignorée jusque-là. L’artiste serait un samouraï au service du seigneur Tsuchiya, à Edo, qui renonça à son rang pour se consacrer à l’art ukiyo-e. Les premiers caractères de la signature de ses débuts, Haruhiro, révèlent qu’il fut l’élève de Harunobu, son ami. Cependant, Koryûsai se dégagea rapidement de cette influence pour acquérir un style personnel, beaucoup plus réaliste. Ses bijin (beautés), des femmes mûres, sont très éloignées des éternelles adolescentes de son maître.
Très sensible à l’attrait de la mode, il se spécialisa dans les représentations des nouvelles créations. Il fut aussi le premier à produire des kachô-e (peintures de fleurs et d’oiseaux) en abondance, exploitant ce thème chinois d’une manière fascinante parfois. Il fut très habile aussi dans les compositions de format hashira-e. Il délaissa plus tard l’estampe pour la peinture. Vers 1881, le terme hokkyô, conféré par l’empereur aux artistes et aux lettrés, titre honorifique de second rang, à l’origine utilisé dans la hiérarchie bouddhique, fut ajouté à sa signature.

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« Dans le goût des motifs d’Izugura » (Izugura shi-ire no moyô muki)

« Beautés du jour en robes d’été » (Natsu ishô tôsei bijin)

Dans le goût des motifs d’Izugura est l’une des estampes publicitaires d’une série de neuf, réalisées pour promouvoir les grandes marques de textiles et financées par elles. Les vêtements portés par des beautés offrent des tissus aux motifs représentatifs de la marque. Ainsi, une autre estampe s’intitule-t-elle : Dans le goût des rayures teintes par Shimaya.

L’enseigne du marchand – le rideau d’un magasin – et son nom, figurent en haut à droite. Ici, il s’agit du négociant Izugura, localisé à « Nihon-bashiHonchô, 4-chôme ». Parmi les autres grands magasins dont certains existent toujours, figurent Matsuzakaya, Daimaru, Matsuya. La beauté, vêtue d’un kimono décoré de branchages, tient un éventail tout en retenant son vêtement qui glisse, comme a glissé sur le sol le obi dénoué qui recouvre un coupon de tissu.

Elle semble une création des luxueuses et chatoyantes étoffes, née du cercle de soie à ses pieds. L’élégante se confond avec le thème essentiel de l’estampe, le textile. Son style de coiffure, celui d’une servante d’un château féodal, accentue le caractère publicitaire de l’image, évoquant une classe sociale élevée. Dans un autre tirage, la coiffure est modifiée au goût du jour, sans doute pour éviter des ennuis avec la censure qui protégeait les autorités. Une peinture du maître, conservée à l’Idemitsu Museum of Arts, est très proche de l’estampe. (G. L.)

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Des courtisanes aux héroïnes littéraires

Dans la seconde moitié du 18^e siècle, toutes les incarnations de la Femme, jeune fille, mère de famille, élégante, femme active et même femme légendaire, séduisent les artistes, à l’égal de la courtisane des « quartiers de joie ». Se délassant dans leur intérieur, occupées à leur toilette, se promenant lors des fêtes saisonnières, célébrées à dates fixes d’après le calendrier lunaire – floraison des cerisiers, au printemps (hanani), des iris, en mai, des glycines, en juin, des chrysanthèmes, en automne – ou bien encore sous les érables aux feuilles pourpres ou au bord de la mer, elles envahissent l’estampe. La littérature prit aussi pour héroïnes de romans des hôtesses et des courtisanes, dans les années 1760, les identifiant ainsi aux héroïnes de la littérature classique, issues de la noblesse.

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Image de calendrier

« L’averse »

Avec Harunobu, la ligne devient poésie, comme l’illustre cette estampe de calendrier (egoyomi) qui s’inspire d’une scène de la vie quotidienne. Une jeune fille accourt sous l’averse pour ramasser un kimono étendu. Dans sa précipitation, elle perd une geta, ce qui oriente son regard et celui du spectateur dans le sens du vent, de l’averse, de la perche à linge. Le jeu d’arabesques mouvantes des kimonos s’oppose aux diagonales qui rythment la composition.
Les indications des mois longs (30 jours) sont inscrites dans les motifs du vêtement suspendu. On y déchiffre « An deux Ère Meiwa, 2, 3, 5, 6, 8, 10 ». Quand au signe de l’année, l’oiseau, il apparaît sur le obi de la jeune fille. L’estampe comporte les noms des quatre personnes qui ont participé à sa création : le commanditaire, le dessinateur, le graveur, l’imprimeur. (G. L.)

Jusqu’en 1765, l’édition des « images de calendriers » (daishô-goyomi), images très fonctionnelles, était un monopole d’État. La première connue date de 1686. Seuls un petit nombre d’éditeurs officiels étaient autorisés à les publier. Jusqu’à l’introduction du calendrier grégorien, le nombre de jours dans le calendrier lunaire variait.
La prévision des mois longs et des mois courts facilitait les autres calculs calendaires. Au cours de la deuxième et troisième annéede l’ère Meiwa (1765-1766), des images plus luxueuses, éditées en grand nombre dès 1765, se répandirent au Nouvel An, suivant une tradition attestée dès 1724. Elles annonçaient avec subtilité et discrétion, parfois sous forme de rébus, les mois longs de l’année. Les chiffres, assimilés à des motifs décoratifs, étaient à découvrir dans l’image.
Destinées à des cercles de poètes, d’esthètes, que fréquentait Harunobu, ses estampes s’inspiraient de la culture traditionnelle, des symboles de chance et de longévité, des sept dieux du bonheur, des légendes chinoises, des haikai que les artistes transposaient en images, et même de scènes de la vie quotidienne. Les commanditaires, samouraïs de haut rang ou riches bourgeois, se passionnaient pour ces créations qu’ils échangeaient. Les samouraïs Kyosen (nom de plume de Ôkubo Jinshirô Tadanobu), porte-bannière au château d’Edo, ou Sakei, jouèrent un rôle important dans le développement des egoyomi. Ils inspiraient à l’artiste le thème de l’image, et peut-être même en étaient parfois, entièrement ou partiellement, les créateurs.
L’intérêt de ce public choisi pour une production de plus en plus raffinée, permit de perfectionner la technique de l’estampe polychrome. La multiplication des couleurs, l’impression sur un papier de grande qualité, blanc et souple, de type hôsho, pour ces éditions au tirage limité, entraînèrent une rapide évolution de l’art de l’estampe. Le format chûban, le plus courant pour ces « images de brocart » (nishiki-e), de dimensions moyennes, 28 x 20 cm environ, le quart d’une feuille standard (ôbôsho), convenait tout à fait à ces feuilles délicates.
Passé le Nouvel An, ces images de qualité, imprégnées de culture, toujours très prisées, étaient largement diffusées, cette fois sans indications chiffrées et dans des impressions moins coûteuses. (G. L.)

La carrière de Harunobu fut brève mais très féconde. En une dizaine d’années, de 1760 à 1770, il réalisa 1 200 estampes environ, 25 livres illustrés et quelques peintures. Son œuvre constitue l’un des fleurons de l’ukiyo-e, non seulement par ses apports stylistiques et techniques mais aussi par la poésie qui imprègne ses œuvres et la subtilité de son inspiration. Avec lui, les jeux d’esprit, la culture, l’humour, se jouent de la banalité des scènes contemporaines de la vie quotidienne, et les transforment en images ludiques, recélant des messages, des symboles, des allusions à des œuvres littéraires classiques, à des légendes chinoises, à des croyances.
Il avait adopté comme nom d’artiste « Shikojin », qui signifie « Celui qui reflète le passé » … Sa rencontre avec des cercles de poètes, d’érudits, de riches marchands, de samouraïs, tel Kyosen, décida de l’orientation de son art, qui avait débuté sous l’influence de ses prédécesseurs, dont Kiyomitsu. Ces cercles d’amateurs rivalisaient en jeux d’esprit et recherchaient des estampes significatives, notamment des egoyomi (estampes de calendrier) à échanger entre eux. Esthètes, ils apprécièrent le style raffiné de Harunobu et sa culture, et financèrent des estampes luxueuses.
Harunobu s’essaya avec succès aux impressions à couleurs multiples, aux pigments recherchés, qui nécessitaient parfois une quinzaine de bois gravés. Agrémentées de gaufrages, de fonds marbrés, de poudres de métaux et de mica, de dégradés, ces « images de brocart », au nom évocateur dû à leurs chatoyantes couleurs, de format chûban, supplantèrent vers 1765 les estampes imprimées en deux ou trois couleurs. Souvent sans signature, elles portent parfois le nom du commanditaire, peut-être parce qu’il en suggéra le sujet ou en donna même le modèle.
Peu d’éléments sur la vie de Harunobu sont connus et l’observation de son œuvre est la principale source d’informations. Il traite les thèmes habituels de l’ukiyo-e dans des scènes pleines de fraîcheur, de légèreté, cherchant à suggérer l’atmosphère du moment et idéalisant ses personnages. Il se plaît à situer ses compositions dans un cadre, paysage ou intérieur. Quant à ses figures isolées, il en accentue le relief et le mouvement, en les faisant évoluer sur un fond uni, gris ou jaune. Il est très à l’aise aussi pour figurer des personnages en format hashira-e, sous un angle de vue insolite. L’aspect juvénile, primesautier de ses ingénues, héroïnes de légendes, de romans, mères, courtisanes ou amantes, plonge le spectateur dans un univers de frivolité ou d’irréalité.
Harunobu mourut subitement en 1770, à 45 ans, alors qu’il s’orientait vers une production plus populaire, laissant à ses successeurs Koryûsai et Kiyonaga un modèle féminin qui les inspira à leur début.

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L’idéal de cette beauté féminine qui fascine évolue de la fin du 17^e au début du 19^e siècle. À celle, encore médiévale, parfois, de Moronobu succède la beauté majestueuse et altière de l’atelier Kaigetsudo, « atelier languissant pour la lune », dans la première moitié du 18^e siècle. Puis Harunobu met en scène une femme enfant, ingénue, petite, gracile, espiègle, inspirant poètes et lettrés. Avec Koryûsai, l’image d’une femme mûre, épanouie, plus robuste fait son apparition pour se métamorphoser en élégante raffinée, svelte, longiforme, sereine, sous le trait de Kiyonaga.
Enfin, il y eut Utamaro et, avec lui, l’avènement de « la femme », de toutes les femmes, des plus précieuses et séductrices, aux plus maternelles et aux plus humbles. Au-delà de l’aspect extérieur purement esthétique, l’artiste explora le visage féminin, inaugurant le portrait individuel, l’étude psychologique, créant un bouleversement dans la manière d’appréhender la femme, donnant à ses visages une dimension universelle même.

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Femme inconstante (Uwaki no sô)

« Les dix types d’études physiognomoniques de femmes » (Fûjin sôgaku juttai)

« La femme inconstante », frivole, voluptueuse, est figurée à la sortie de son bain, un sein découvert, vêtue d’un déshabillé décoré de couples de phénix, symbole du bonheur conjugal. Elle s’essuie les mains à une serviette négligemment jetée sur son épaule. Sur son déshabillé (yukata) est noué le obi, parsemé de plumes de faucon. Sa chevelure est ornée de deux peignes différents. Celui qui est ovale – souvent pris pour une trompette ! – est simplement destiné à retenir momentanément la chevelure).

C’est l’un des dix portraits de femme à mi-corps, dont huit sont connus, réalisés dans une démarche précise par Utamaro. Les premiers, intitulés Dix types d’études physiognomoniques féminines « Fujin sôgaku juttai », sont signés « sômi Utamaro ga » ( « dessiné par Utamaro le physiognomoniste » ). Les quatre autres sont intitulés Dix exemples de physionomies féminines ( « Fujo ninsô juppon » ) et sont signés « sôkan Utamaro kôga » ( « scrupuleusement dessiné par Utamaro qui étudie les physionomies » ). L’artiste modifia le titre, peut-être pour faciliter la compréhension du thème.

Ces portraits sont parmi les premiers à inaugurer le modèle à mi-corps se détachant sur un précieux fond micacé. L’artiste se plaît à étudier les multiples facettes de l’éternel féminin, à en découvrir l’essence même, et y attache autant d’importance qu’aux plus remarquables portraits individualisés de courtisanes.
Utamaro ne cherche pas à réaliser un portrait mais à saisir, sur des visages, des expressions liées à la psychologie, révélatrices de types, ou à capter dans des attitudes des constantes caractéristiques du comportement féminin. (G. L.)

Les couleurs utilisées par les artistes d’ukiyo-e sont très subtiles et, comme l’écrit Edmond de Goncourt : « Les blancs que la Japonaise veut sur la soie qu’elle porte sont le blanc d’aubergine, blanc de ventre de poisson, les roses sont la neige rosée, la neige fleur de pêcher, les rouges sont le rouge de jujube, la flamme fumeuse, la cendre d’argent. Les verts sont le vert thé, le vert crabe, le vert crevette, le vert cœur d’oignon, le vert pousse de lotus. »

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Okita de la maison Naniwaya (Naniwaya Okita)

« Six poèmes élégamment illustrés » (Fûryû rokkasen)

Okita est l’un des six portraits en buste (ôkubi-e) de beautés célèbres d’Edo, de la série Komei bijin rokkasen (« Comparaison entre les belles de six maisons »), réalisée en première édition en 1793 et rééditée quelques années après. Dans la première édition, le nom des beautés est donné sous forme de rébus, dans le cartouche carré. En plus d’être un jeu d’esprit, le rébus permettait de se plier aux édits de 1793 qui interdisaient d’écrire le nom des courtisanes. Il suffisait de traduire les motifs pour le connaître : na (« légumes verts »), [ ni/wa ] ya (« flèche ») oki (« le large ») ta (« rizière ») : Naniwaya Okita. Un autre édit du huitième mois de 1796 interdit également les rébus. Ils furent alors remplacés par le portrait et le nom d’un poète, que la beauté symbolisait, ici le poète Ariwara no Narihira. Phonétiquement les six maisons (rokkasen) de cette série correspondaient aux six poètes immortels de l’époque Heian (9^e siècle – 12^e siècle) : Ariwara no Narihira, Sôjô Henjô, Ono no Komachi, Kisen-hôshi, Ôtomo no Kuronushi et Fun’ya no Yasuhide.

Okita, serveuse dans la maison de thé Naniwaya, dans l’enceinte du temple Kannon à Asakusa, tient une tasse de thé décoré d’un motif de paulownia, son emblème personnel, posé sur un plateau de laque. Beauté moins hautaine, moins affectée qu’Ohisa, son expression bien que très réservée est beaucoup plus naturelle.
La composition est décentrée et la courtisane, vue de trois quarts, semble pénétrer dans l’espace et avancer vers un client. Utamaro fit de nombreux portraits d’Okita et d’Ohisa, parfois avec d’autres beautés, notamment dans l’estampe parodique inspirée de la scène du drame kabuki « Le Chariot brisé ». (G. L.)

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Il manquait à ces représentations une beauté purement aristocratique, quel que fut son milieu, Eishi, issu d’une famille de samouraïs la créa. Créature de rêve, composant des poèmes à la manière des « six poètes immortels », ou lisant un essai philosophico-social du 14^e siècle, « les herbes de l’ennui » …, images irréelles ou fantasmes réels de ce monde évanescent.